Amnesiac (2001) de Radiohead: Autenticidad tecnificada desde la síntesis musical (Primera Parte)

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Por Jaime Arnás López*

Radiohead fue formado en 1985 por Thom Yorke (voz, guitarra, piano), Ed O’Brien (guitarra), los hermanos Jonny (guitarra, teclados, ondas martenot) y Colin Greenwood (bajo) y Phil Selway (batería). Disponen de nueve discos de estudio, siendo su último trabajo A moon shaped pool, publicado en 2016. En el periodo que transcurre desde su primer disco, Pablo Honey (1993) hasta Amnesiac (2001), producen y distribuyen sus trabajos a través de Parlophone/Capitol Records. Desde los años 60, esta compañía ha publicado trabajos de artistas como The Beatles, Pink Floyd, Queen, Iron Maiden, Kraftwerk o Blur

Radiohead tiene su origen en Abingdon (Oxford), ciudad situada al sur de Inglaterra, donde los miembros del grupo compartieron aula durante su periodo escolar. Todos los componentes de Radiohead formaron parte durante esos años de diversos grupos musicales, hasta que en el año 1985-1986 comienzan a tener una formación fija que han mantenido hasta la actualidad. El único miembro del grupo que recibió formación musical reglada fue Jonny Greenwood, que desarrolló estudios de viola. En 2004, Greenwood fue compositor residente de la Orquesta de la BBC y ha elaborado la música de bandas sonoras para películas como There will be blood, TheMaster o Inherent Vice. También es necesario destacar su participación en trabajos musicales con el compositor polaco Krzysztof Penderecki, principalmente con el proyecto Polymorphia. La influencia de la música académica del siglo XX en los trabajos de Radiohead procede fundamentalmente de Greenwood, especialmente su uso de los conjuntos de cuerda, ondas martenot o la utilización de diferentes herramientas de la música electroacústica.

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Como proyectos paralelos de otros miembros del grupo, podemos destacar la carrera en solitario de Thom Yorke, con la publicación de The Eraser, enfocado especialmente en la música electrónica. También ha formado el grupo Atoms for Peace junto con Flea (Red Hot Chili Peppers) y ha colaborado con otros artistas definidos dentro de distintos estilos de la música popular, como Björk, PJ Harvey o Flying Lotus.

En sus primeros años, Radiohead absorbió la influencia tanto de la música indie como del rock norteamericano, así como de otros estilos musicales relacionados con el pop y el punk que conocieron a nivel local. Bandas como Pixies, Nirvana o Pearl Jam pueden citarse como influencias dentro de su primer trabajo, Pablo honey (1993), donde se mezcla un espíritu pop-rock con unas canciones construidas según unos patrones sencillos de Verso-Estribillo y una propuesta poco experimental. Dentro de este disco, el single “Creep” se convirtió en una canción de éxito tanto en Europa como en Estados Unidos, insertándose en la cultura popular del momento. Prueba de ello es la aparición del tema en 1993 en el show estadounidense de la MTV Beavis and Butthead. 

Con su segundo disco, The bends (1995), Radiohead supera la imagen de grupo de un solo éxito, convirtiéndose en un referente para los grupos ingleses y norteamericanos de pop-rock de la época. Este segundo trabajo discográfico no se construye como una continuación del estilo presente en su primer disco, sino que propone nuevas formas y disposiciones instrumentales. Esto es percibido por el público y la crítica, que comienzan a establecer a Radiohead como un referente dentro de la vanguardia de su estilo musical.

A nivel interno dentro de la composición del grupo, aparecen importantes novedades en este periodo. Por un lado comienza su colaboración con Nigel Godrich, en principio como ingeniero de sonido, rol que aumentará en importancia en los siguientes discos, donde ejercerá como productor. También es el primer trabajo que presenta la obra de Stanley Donwood, compañero de universidad de Thom Yorke, que se convierte en el responsable del diseño artístico de las portadas y del artwork en general de la banda desde entonces. Este último factor es muy relevante en la obra de Radiohead, ya que Donwood trabajará en conjunción con el grupo, relacionando iconográficamente sus creaciones con la propuesta sonora y estética que se dispone en cada uno de sus diferentes discos. La evolución de los símbolos y las temáticas visuales ocurrirán paralelamente a la evolución del sonido y los conceptos estéticos desarrollados por RadioheadComo veremos a lo largo de este trabajo, la iconografía usada por el grupo para distribuir su obra está en estrecha relación con el contexto social y económico en el que esta tiene lugar.

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En OK Computer (1996), Radiohead establece un punto de referencia dentro de su carrera musical, añadiendo multitud de influencias musicales, especialmente provenientes de la música jazz. La narración en primera persona del plural, donde la tecnología y la alienación producida por esta cobran especial importancia, sustituye a las letras en primera persona centradas en experiencias propias presentes en sus dos primeros discos, típicas del pop-rock de los 90. El discurso del grupo comienza a enfocarse a un relato global del contexto donde tiene lugar su obra, obteniendo gran éxito comercial, unido al reconocimiento de la prensa especializada. OK Computer es elegido por la revista Q y NME como disco del año, recibiendo un Grammy al mejor álbum de música alternativa. Al mismo tiempo que aumenta su relevancia a todos los niveles, crece la presión asociada a la confección de su obra, por lo que buscan continuamente nuevas metodologías de composición musical a través de la escucha y la síntesis de diferentes influencias. Así lo explicaba Thom Yorke refiriéndose al proceso de composición del disco:

No estábamos escuchando realmente bandas [pop], eran cosas como Miles Davis, Ennio Morricone y compositores como Penderecki, el cual es bastante atmosférico y atonal. No escuchábamos música pop (…) Bitches Brew de Miles Davis fue el punto de partida de cómo deberíamos sonar; tiene esa densidad y sonido terrorífico. Estaba expresando lo mismo que nosotros queríamos decirCon la mayor elaboración musical y la incorporación de temáticas más complejas, el grupo y sus propuestas comienzan a ser definidos en esta época como ambiguos, enigmáticos u oscuros. Paralelamente a esta nueva concepción, Radiohead se implica en todos los niveles de la confección de su obra, desde los videos, la página web, el diseño de su merchandising, hasta la promoción de sus discos mediante entrevistas o incluso la elaboración de diarios personales accesibles a los fans, así como todo tipo de contenido exclusivo para sus seguidores. Desde un primer momento el grupo trabaja dentro de una gran multinacional, Parlophone (más tarde Capitol Records), lo que permite que su música sea distribuida a nivel internacional y consiga gran relevancia con cada uno de sus nuevas publicaciones. Con el paso del tiempo, la pertenencia a esta gran corporación constituye un problema ético para el grupo, ya que en sus letras ironiza o critica abiertamente el sistema capitalista, mientras que forma parte de una de las grandes empresas que hacen posible este sistema. La búsqueda de una posible posición sincera o auténtica con respecto a su público partiendo de esta contradicción supone uno de los ejes centrales del discurso en los discos que suceden a OK Computer, KID A y Amnesiac.

En el año 2000, Radiohead publica su cuarto álbum de estudio, KID A. Este trabajo, ya inserto totalmente en la experimentación sonora y especialmente influido por la música electrónica, consigue un gran éxito comercial, pese a no ser promocionado mediantes singles, entrevistas u otro tipo de actos promocionales. De hecho, este proyecto discográfico obtiene de nuevo el premio Grammy al mejor disco de música alternativa, alcanzando por primera vez el número uno de las listas estadounidenses. Mientras que continúa la síntesis musical iniciada en su anterior trabajo, las letras adquieren un tono críptico, especialmente vinculadas con la tecnología y la alienación social presentes en la sociedad en la que tiene lugar la confección del disco. Comienzan a aparecer factores antitecnológicos en el propio sonido de las canciones, especialmente con la modificación del timbre de la voz para producir un efecto deshumanizador.

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Las expectativas del grupo con respecto al posible éxito comercial de KID A no eran especialmente optimistas. El proceso de elaboración del álbum fue largo y complejo. En un primer momento fue considerado como un proyecto “intencionalmente difícil” e incluso como un “suicidio comercial”. Sin embargo, el disco se convirtió en un objeto de culto con el paso del tiempo, muestra de la experimentación sonora que define al grupo desde entonces. Allan Moore considera que este disco y el que le sucede, Amnesiac, contienen música que puede ser inicialmente difícil de a similar (desde la perspectiva de la música pop-rock), lo que los distingue especialmente del resto de trabajos musicales de la banda inglesa.

El éxito comercial para Radiohead continuó solo unos meses más tarde, con la publicación en el año 2001 de su disco Amnesiac, objeto de análisis de este TFM. Llegado este punto de su carrera, Radiohead presenta interesantes contradicciones tanto a nivel sonoro como estético y comercial. Por un lado, continúan disponiendo de una gran variedad de influencias musicales que abarcan desde figuras relevantes de la música europea académica del siglo XX como Messiaen o Penderecki hasta la música electrónica o el jazz, mezclando indistintamente en las canciones recursos técnicos e instrumentales de estas diversas fuentes. Incluido dentro de esta propuesta musical, el espíritu antitecnológico y antisistema cobra especial relevancia en letras y aspectos tímbricos, estos últimos especialmente conectados con un interés por reflejar una voz artificial y deshumanizada.

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Sin embargo, tanto el contenido musical como la distribución comercial de Amnesiac se producen a través de la tecnología y de los sistemas habituales de distribución relacionados con el capitalismo. De hecho, este disco dispuso de tres formatos distintos: CD, una edición especial con caras B, DVD y una serie de imágenes y por último un CD acompañado de un libro con imágenes y textos, que fue reconocido con el premio Grammy 2001 como mejor producto global de artwork. A nivel estético, esta contradicción se refleja en la representación de una serie de símbolos que marcan una progresiva evolución del grupo desde sus primeros trabajos y que encuentra en este punto su máxima expresión. A lo largo de este TFM explicaremos esta evolución vinculándola con el contenido sonoro presente en Amnesiac.

Tras Amnesiac, Radiohead publica Hail to the thief en el año 2003, el cual supone una vuelta a los sonidos rock de sus primeros discos y una utilización menor de la electrónica, junto con letras menos ambiguas y más críticas con el contexto social en el que surgen. Se incluyen referencias a clásicos de la literatura de ciencia-ficción como 1984, que sirven para explicar el momento social, político y económico en el que el grupo inglés sitúa su obra. El título del disco es un juego de palabras con el himno presidencial estadounidense Hail to the chief, en este caso sustituyendo la palabra chief  (jefe) por thief (ladrón). Esta frase era utilizada contra el presidente norteamericano George Bush en el año 2000 tras su polémica llegada al poder27. Según Jonny Greenwood, el disco no está dirigido única y específicamente a este hecho:

El disco es más grande que eso. Esperemos que dure más que Bush a no ser que constituya una dinastía, lo cual es posible. (…) Es más como si resumiésemos como es vivir en el año 2003

En sus últimos tres trabajos –In rainbows (2007), The king of limbs (2011) y Amoon shaped pool (2016) – la música electrónica ha vuelto a cobrar importancia en su propuesta sonora, al mismo tiempo que se mantiene el compromiso social y reivindicativo del grupo. En este último periodo, es especialmente interesante destacar su propuesta de distribución de su disco In rainbows, donde ofrecían el contenido del disco a través de Internet al precio que quisiera pagar el consumidor. Esta fórmula no se repitió para sus dos últimos trabajos, que fueron distribuidos por discográficas independientes.

Como vemos, la carrera de Radiohead se puede dividir mediante puntos de referencia que definen su trayectoria a nivel sonoro, estético y comercial. Amnesiac supone un trabajo fundamental y divisor de su trayectoria, que en ocasiones no ha sido lo suficientemente valorado por haber sido publicado solo ocho meses más tarde que su predecesor KID A. Sin embargo, hay varios motivos que hacen del estudio de alguno de sus rasgos más significativos una materia interesante de investigación.

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En primer lugar, Radiohead presenta en Amnesiac una difícil postura comercial ante su público. En el disco que precede a este trabajo, KID A, habían abandonado las estrategias de promoción habituales que acompañan a la salida de un disco dentro del funcionamiento normal de una discográfica como Parlophone. Esto coincidía con el espíritu rupturista y crítico del disco, por lo que presentaban una imagen de coherencia entre su obra y la promoción de la misma. Sin embargo, para Amnesiac, se produce una vuelta a los mecanismos recurrentes de las grandes discográficas, lo que presenta una disonancia con las opiniones del grupo. Esta contradicción se refleja tanto en el contenido musical como en el artwork de la banda y se inserta en un contexto al final del siglo XX en el que varios grupos de música pop y rock se encuentran, donde el mensaje y la forma de transmitirlo en ocasiones entran en conflicto.

Al mismo tiempo, el eclecticismo presente en Amnesiac hace de su contenido sonoro un acercamiento a algunas de las propuestas más interesantes de la música europea y norteamericana en el siglo XX, tanto en lo que se refiere a la música popular como a la música de tradición académica. Las técnicas compositivas y las disposiciones instrumentales proceden de estas diversas fuentes que pueden ser identificadas y contextualizadas. Junto con esta fusión sonora, discurre en Amnesiac una contradicción entre los medios utilizados para crear esta obra y el contexto en el que tiene lugar. Mientras que la tecnología forma parte fundamental del proceso de creación, el discurso de la banda critica las consecuencias del abuso de esta tecnología en la sociedad en la que viven. Pero esta contradicción no solo ocurre a nivel creativo, ya que varias de las estrategias de promoción que tienen su origen en este disco suponen una novedad por el uso de Internet y la inauguración de una nueva vía de acceso tecnológica al seguidor de la banda. Por lo tanto, el grupo inglés elabora un discurso antitecnológico desde la tecnología, lo que dará lugar a una búsqueda de autenticidad que analizaremos en detalle.

La combinación de todos estos factores da lugar a una obra que podría ser definida por sus específicas características musicales y estéticas dentro de una corriente artística postmoderna, enmarcada dentro del ámbito de la música popular. Asimismo, el contexto temporal en el que tiene lugar permite la existencia de esta posibilidad, ya que a finales del siglo XX esta corriente estética tiene lugar tanto en la música, como en otras disciplinas artísticas como la literatura, la pintura o el cine. A lo largo de este trabajo, comprobaremos si es posible etiquetar este disco con esta definición o si pertenece a otro tipo de corriente musical y estética. Este proceso se verá facilitado por la gran cantidad de información iconográfica y visual que acompaña al contenido sonoro del trabajo, que permitirá establecer relaciones entre el artwork, los videos y el contenido sonoro presente en Amnesiac.


Referencias

-TATOM LETTS, Marianne: “How to disappear completely”: Radiohead and the resistant concept album, Indiana University Press, 2010.

FORBER, Brandon W.; REISCH, GEORGE A.: Radiohead and philosophy: Fitter happier more deductive, Illinois, Open court publishing company, 2009.

KRAMER, Jonathan: “The nature and origins of musical postmodernism” en Postmodern music/postmodern thought, editado por Judith Irene Lochhead y Joseph Henry Auner, London, Routledge, 2002, págs. 13-26

-Información disponible en la página web de la compañía en la dirección: http://www.parlophone.co.uk/about/ (Consulta a fecha 15/02/17).

A este respecto, existe un interesante artículo de Dai Griffiths que relaciona el paso de los miembros de la banda por Abingdon School -escuela privada con un coste de más de 15000 € /año- con el contenido, según el autor, alienante y elitista de su propuesta musical. Referencia: “Public Schoolboy Music: Debating Radiohead” en The music and art of Radiohead, Farnham, Ashgate, 2007, págs. 159-168.

MICHAEL, Sean: “Jonny Greenwood reveals details of Krzysztof Penderecki collaboration” en The

Guardian, 23-1-2012. (Consulta a fecha 20/02/17): https://www.theguardian.com/music/2012/jan/23/jonny-greenwood-krzysztof-penderecki?newsfeed=true.FOOTMAN, Tim: “Hyperreally saying something” en Radiohead and philosophy: Fitter happier more deductive, editado por Brandon W. Forber, Illinois, Open court publishing company, 2009, págs. 253-254.

CARNEY: págs. 7-8.

ADAM, Nathaniel: Coding OK Computer: Categorization and Characterization of Disruptive Harmonic and Rhythmic Events in Rock Music, Michigan, Dissertation for the degree of Music Theory in the University of Michigan, 2011, págs 8-10.

HESSELINK, Nathan: “Radiohead’s Pyramid Song: Ambiguity, Rhythm, and Participation” en Society for Music Theory, Vol.19, nº1, Marzo, 2013, pág. 4.

LEBLANC, Lisa:”Ice Age Coming: The Apocalyptic Sublime in the Paintings of Stanley Donwood” en

-The music and art of Radiohead, editado por Joseph Tate, Farnham, Ashgate, 2007, pág. 85.

-TATOM LETTS: págs. 4-5.

-CARNEY: pág. 30. “We weren’t really listening to any bands at all, it was all like Miles Davis and Ennio Morricone and composers like Penderecki, which is sort of atmospheric, atonal weird stuff. We weren’t listening to any pop music at all (…) Bitches’ Brew by Miles Davis was the starting point of how things should sound; it’s got this incredibly dense and terrifying sound to it. This is saying the same stuff we want to say.”

HESSELINK: págs. 5-6.

-OSBORN: pág. 112.

PAYTRESS, Mark: Radiohead: the complete guide to their music, London, Ominus Press, 2005, págs. 47-51

-MOORE, Allan: Songs means: Analysing and interpreting recorded popular songs, Farnham, Ashgate, 2012, pág. 160.

HESSELINK: pág. 5.

-FRICKE, David: “Bitter Prophet: Thom Yorke on Hail to the Thief” en Rolling Stone, 26/6/03. (Consulta a fecha 2/3/17): http://www.rollingstone.com/music/news/bitter-prophet-thom-yorke-on-hail-to-the-thief-20030626.

TATE, Joseph: “Hail to the thief: A rhizomatic map in fragments” en The music and art of Radiohead, Farnham, Ashgate, 2007, págs. 196. “The record’s bigger than that. Hopefully it will last longer than Bush unless he’s getting a whole dynasty together, which is always possible. (…) It’s more like we’re summing up what it’s like to be around in 2003.”

ADAM: pág. 140.

 

*Jaime Arnás López: Máster en Música Española e Hispanoamericana, por el Departamento De Musicología de la Universidad Complutense De Madrid

Estudiante de 18 años, me gustan los deportes y la música, acompañados de buena comida. Mientras la vida me lo permita, seguiré escribiendo.

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