“La foto fija como antecedente de la cinematografía”

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Jose Luis Reza Hernández

Entrevista con Jose Luis Reza Hernández, director de fotografía en documentales y cine y director general de Cinearte, en Puebla.

 

 

¿Cómo se desarrolla un fotógrafo de imágenes fijas en el cine?

-El trabajo del fotógrafo de foto fija es muy importante dentro del trabajo cinematográfico. Por un lado se realiza lo que irá siendo la memoria del proyecto y del producto final, y por otro lado se trabaja en las imágenes que servirán para la difusión: desde carteles, promocionales o archivos. En este sentido se entiende a la foto fija como el precedente del cine.

El trabajo es fascinante, es el antecedente más cercano, para los que trabajamos en la cinematografía es la transición de la foto fija a la imagen en movimiento. Un fotógrafo de fijas, aparte de que debe conocer perfectamente su equipo, tiene que saber moverse dentro de un set de grabación, una locación en exteriores o un foro de grandes dimensiones, en donde hay tripiés y equipo de iluminación demasiado pesado, hay que saberse mover entre esa maquinaria y cablerío para no causar incluso un accidente, o echar a perder una toma.

Es muy importante conocer el lenguaje cinematográfico para saber que tomar y en qué momento, para que cumplan las fotos mejor su función de difusión o documento.

¿Cuánta libertad tiene éste fotógrafo?

-Si alguien goza de extrema libertad es el de foto fija. El operador basa su trabajo en las ideas del Director de fotografía y este a su vez en la propuesta del Director general y su guión. La libertad del de fotos fijas para moverse por el foro llega hasta la posibilidad de crear la campaña de mercadotecnia, los carteles, o los espectaculares. Puede conceptualizar los que irán en el libro que se escribirá acerca de la película.

Las fotos fijas pueden servir como parte de la historia del cine mexicano. Puede llegar a ser parte del acervo de algún archivo y, constituir parte de la historia del arte mundial. Las fotos que se exigen son tan variadas y disímbolas que se crean documentos visuales en todo momento.

Yo, por ejemplo, continúa Reza Hernández, soy de los directores de fotografía que no usan mucha iluminación pero que me gusta resolver las cosas con lo que tengo a mano. Lo que tiene que ver con la imagen minimalista y una lectura específica de la luz. Cada escena te va dando un diálogo y de ello depende la estética que vamos a sugerir. Cada toma que se hace es un microdiálogo que va circunscrito dentro de una narrativa global.

¿Estuviste mucho tiempo cubriendo la Guerrilla en El Salvador y trabajando después para la televisión en España, cuáles son las diferencias entre uno y otro creando imágenes? ¿Y cuanto te dejo como experiencia para tus documentales y películas?

-Para mí han sido experiencias muy enriquecedoras ambas. La televisión es una industria devoradora de contenidos y todo es muy apresurado. Yo tengo formación en cinematografía y allí somos muy cuidadosos con la estética, los emplazamientos, el análisis de la imagen, cómo vas a mover tu cámara para tener justo lo que quieres capturar.

La diferencia la cree, y por ello pude trabajar para CNN y canales en Francia y Alemania porque mis tomas eran totalmente diferentes a las de los demás, no me quedaba estático y lograba capturar imágenes con distintas narrativas del mismo hecho noticioso. Finaliza el director de Cinearte, espacio de educación visual desde diferentes ámbitos en Puebla (8 oriente 401), Centro Histórico.

 

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